débuts de L’art et de l’Architecture baroques

le terme: Baroque

l’origine du terme Baroque est un peu ambiguë. Beaucoup d’érudits pensent qu’il a été dérivé du barrocco Portugais, ce qui signifie une perle imparfaite ou de forme irrégulière. Et certains, comme le philosophe Jean-Jacques Rousseau pensaient qu’il était dérivé de l’Italien barocco, un terme utilisé pour décrire un obstacle à la logique formelle à l’époque médiévale., Dans l’utilisation croissante du terme contenait à l’origine des connotations négatives, l’œuvre d’art dans son cadre considéré comme bizarre et parfois ostentatoire. Mais en 1888, Renaissance und Barock (1888) de Heinrich Wölfflin, le terme a été officiellement utilisé comme simple descriptif pour désigner le style artistique distinct.,

la Contre-Réforme

plutôt que d’avoir un seul moment de création, la période Baroque a réuni un certain nombre de développements innovants à la fin des années 1500, car elle a été informée par les différents styles de peinture Un facteur décisif dans la formation de l’intensité et de la portée du mouvement a été le patronage de la Contre-Réforme de l’Église catholique.,

Après le sac de Rome de 1527, et dans les efforts pour s’opposer à la croissance du Protestantisme, la Contre-Réforme a cherché à rétablir l’autorité de l’Église. En 1545, le pape Paul III convoque le premier Concile de Trente, qui réunit des dignitaires de l’Église et des théologiens pour établir la doctrine et condamner les hérésies contemporaines. Le Concile a tenu 25 sessions sous la direction du Pape Paul III et de ses successeurs, le pape Jules III et le pape Pie IV, jusqu’en 1563., Les arts visuels et l’architecture sont devenus une partie de la campagne de réforme, car le Conseil a établi des lignes directrices pour l’art qui comprenaient la représentation de sujets religieux comme L’Immaculée Conception, L’Annonciation et l’Assomption de la Vierge qui étaient exclusifs au dogme catholique, afin de repositionner l’importance de l’Église aux yeux du public. Cependant, ces directives signifiaient également que les artistes pouvaient être appelés à la tâche si un responsable de l’Église jugeait leurs œuvres représentant des sujets religieux offensantes., L’un des premiers exemples s’est produit lorsque le peintre vénitien de la Renaissance Paolo Veronese a été traduit devant l’Inquisition pour défendre sa Cène (1573), pour laquelle il a été accusé d’inclure « des bouffons, des Allemands ivres, des nains et d’autres scurrilities. »Lorsque la pièce a été rebaptisée la fête dans la maison de Lévi, faisant allusion à un cadre évangélique où des pécheurs étaient présents, l’œuvre a été considérée comme acceptable.,

La Réforme protestante s’opposait à l’utilisation d’images pour le culte religieux, mais la Contre-Réforme soutenait que cet art avait un but didactique et appelait à un nouveau type de représentation visuelle simple mais dramatique, réaliste dans la représentation et claire dans la narration. Les dirigeants du mouvement professaient que l’art devrait être facilement compris et fortement ressenti par les gens du commun avec l’effet d’encourager la piété et un sens impressionnant de l’Église., Alors que l’Église et ses dignitaires avaient été des mécènes artistiques notables depuis l’époque gothique, un nouveau programme de patronage a été intentionnellement stimulé dans toute l’Europe. Les nouveaux ordres religieux qui faisaient partie du mouvement de réforme comme les Jésuites, les Capucins et les Carmélites Déchaussées, ont été officiellement encouragés à devenir d’importants mécènes de l’art. Ce nouveau style Baroque s’est répandu dans toute l’Europe, principalement soutenu par l’Église catholique dirigée par le Pape à Rome et les dirigeants catholiques en Italie, en France, en Espagne et en Flandre., Il a été ensuite diffusé par de puissants ordres religieux à travers leur vaste réseau de monastères et de couvents.

Giacomo Della Porta

L’architecte Giacomo Della Porta est issu d’une famille de sculpteurs italiens et était un étudiant, et, plus tard, collaborateur de michel-ange et les deux principaux Maniériste architecte à Rome, Giacomo Barozzi da Vignola. Il a travaillé avec Barozzi sur la construction de l’Église du Gesù (1584) et, après la mort du vieil homme en 1573, a complété le projet avec un design réinterprété., Sa façade à la fois réduit le nombre d’éléments architecturaux, tout en regroupant simultanément les éléments qui sont restés autour de l’entrée. En conséquence, la façade a transmis une sensation de tension dynamique que le visiteur ressentirait avant d’être enveloppé par le vaste espace de l’intérieur. Bien que la façade de l’architecte était relativement simple par rapport aux églises baroques beaucoup plus ornées qui ont suivi, l’église a lancé le style Baroque et est également devenu le modèle pour les églises Jésuites à travers le monde dans le 20ème siècle.,

Bolognaise École

Dans la peinture, les œuvres de l’anti-Maniériste à la Bolognaise de l’École dirigée par Annibale Carracci ont été les premiers à être promu dans le cadre de la Contre-Réforme. Carracci avec son frère Agostino et Ludovico, leur cousin, avait lancé L’Accademia dei Desiderosi, une petite académie d’art qui mettait l’accent sur les idéaux esthétiques de la Renaissance antérieure de proportion, l’utilisation du dessin de figures et l’observation précise pour créer des figures réalistes mais héroïques dans des scènes émotionnellement convaincantes., Son travail a attiré l’attention du célèbre patron de l’art, Le Cardinal Odoardo Farnese, qui l’a appelé à Rome et lui a commandé de peindre le plafond de la galerie du Palazzo Farnese pour célébrer le mariage du frère du Cardinal.

la fresque au plafond Loves of the Gods (1597-1601) qui en résulte a influencé le mouvement Baroque, car Carracci a été le pionnier de la technique du quadro riportato qui encadrait chaque scène comme s’il s’agissait d’une peinture de chevalet disposée sur un plafond., Il a également employé quadratura, ou la peinture des caractéristiques architecturales illusionnistes, comme on le voit dans ses figures peintes de L’Atlas et des nus masculins classiques, qui ressemblent à des sculptures. Le travail a influencé Giovanni Lanfranco, Guercino, Pietro de Cortona, Carlo Maratta et Andrea Pozzo, qui sont tous devenus des peintres de quadrature et de trompe-l’œil. Carracci a également eu une influence notable sur la future peinture de paysage et d’histoire comme on le voit dans les œuvres des peintres français Claude Lorrain et Nicolas Poussin, et le style Baroque français.,

le Caravage Michelangelo Merisi

le Caravage Michelangelo Merisi, connu simplement comme le Caravage, a parfois été surnommé « le père de la peinture Baroque » en raison de son approche novatrice. Formé à Milan dans le style maniériste dominant, il a rapidement développé sa propre technique en utilisant le clair-obscur, les contrastes dramatiques de lumière et d’obscurité, et le ténébrisme, intensifiant le contraste en scènes atmosphériques sombres avec certains éléments très éclairés comme par un projecteur., Sa maîtrise du ténébrisme, qui signifie « sombre, mystérieux », était telle qu’on lui attribuait souvent l’invention de la technique. Son réalisme radical, par lequel il peignait ses sujets tels qu’ils étaient réellement, défauts et tout, était tout aussi novateur et rendait ses œuvres controversées, tout comme sa préférence pour les sujets dérangeants.

le Caravage est devenu l’artiste le plus célèbre de Rome, avec ses peintures du Martyre de Saint Matthieu (1599-1600) et de la vocation de Saint Matthieu (1599-1600), commandé pour la Chapelle Contarelli., Il reçoit par la suite un grand nombre de commandes religieuses, bien que plusieurs d’entre elles, dont sa Conversion de Saint Paul (1600-1601) et la mort de la Vierge (1601-1606), soient par la suite rejetées par des mécènes qui trouvent son réalisme trop choquant. Néanmoins, son travail est devenu si influent que les générations suivantes qui ont adopté son style ont été appelés Caravaggisti ou tenebrosi. Son travail a influencé de nombreux grands peintres baroques, dont Peter Paul Rubens, Giovanni Lorenzo Bernini, Jose Ribiera et Rembrandt van Rijn.,

Haut Baroque

Marqué par la grandeur et l’accent sur le mouvement et le drame, le Baroque a commencé autour de 1625 et a duré jusqu’aux environs de 1700. Gian Lorenzo Bernini a dirigé et dominé l’époque, définissant le style Baroque dans la sculpture. Son patron, le Cardinal Scipione Borghese, était l’un des hommes Les plus riches et les plus puissants de Rome, et les premières sculptures du Bernin ont été créées pour le Palais Borghèse du Cardinal., Des œuvres comme le viol de Proserpine (1621-22) et Apollon et Daphné (1622-1625) ont mis l’accent sur le réalisme dramatique, l’émotion intense et le mouvement, et comme L’a écrit L’historien de l’art Rudolf Wittkower, elles « ont inauguré une nouvelle ère dans l’histoire de la sculpture européenne. »

lorsque le Cardinal Scipione Borghese devint plus tard le pape Urbain VIII, Le Bernin devint également l’architecte le plus important de Rome, comme en témoigne sa nomination comme architecte en chef de Saint-Pierre en 1629. Son baldaquin et la colonnade qu’il a conçue autour de St., Peter’s Square (1656-1667) illustre le style Baroque élevé dans l’architecture. Comme L’a écrit L’historienne de l’art Maria Grazia Bernardini, il était « le grand protagoniste principal de l’art Baroque, celui qui a su créer des chefs-d’œuvre incontestés, interpréter de manière originale et géniale les nouvelles sensibilités spirituelles de l’époque, donner à la ville de Rome un tout nouveau visage et unifier le langage de l’époque., »

Le principal rival du Bernin en architecture était Francesco Borromini, dont L’Église de San Carlo alle Quattro Fontane (1624-1646) employait des murs ondulés, une tour ovale et un design ovale radicalement innovant pour l’Église sous un dôme ovale. La peinture de plafond, utilisant la quadratura et le trompe-l’œil, est également devenue une caractéristique notée du Haut Baroque et a été illustrée par le triomphe du nom de Jésus dans l’Église du Gesù de Giovanni Battista Gaulli (1669-1683) et L’apothéose de Saint Ignace D’Andrea Pozzo (1688-1694), tous deux à Rome., Pozzo est également l’auteur de Perspectiva Pictorium et Architectorum (règles et exemples de Perspective propres aux peintres et architectes). Publié en deux volumes, d’abord en 1693, puis en 1698, il a influencé les artistes et les architectes de toute L’Europe dans les années 1800.

art Baroque et Architecture: Concepts, Styles et tendances

Baroque espagnol

ne humeur sombre et, même parfois, sombre prévalait dans la culture espagnole., La guerre de quatre-vingts ans (1568-1648) où les Espagnols cherchèrent sans succès à maintenir le contrôle des Pays-bas, et la guerre Anglo-espagnole (1585-1604) où l’Armada espagnole, tentant d’envahir L’Angleterre, fut vaincue, draina les finances espagnoles et créa une crise économique. Dans le même temps, le catholicisme a été informé par la sévérité de l’Inquisition., En architecture, la grandeur et la richesse de l’Église ont été soulignées, car les Jésuites, un ordre réputé pour son plaidoyer intellectuel en faveur de la Contre-Réforme et son prosélytisme chrétien, ont développé un usage extrême de l’ornement pour accentuer la gloire religieuse. Un exemple précoce a été la chapelle San Isidro de Pedro De La Torre (1642-1669), qui combinait un extérieur orné avec un intérieur simple qui utilisait des effets de lumière pour transmettre un sentiment de mystère religieux., L’accent mis sur la décoration Baroque est devenu encore plus dominant comme on le voit dans Obradoiro de Fernando de Casa Novo (1738-1750), ou la façade de la Cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle. La façade est devenue influente dans toute l’Europe et les colonies espagnoles en Amérique latine, car la cathédrale, lieu de pèlerinage vénéré pendant des siècles, était l’église la plus célèbre d’Espagne.,

les retables dorés étaient un élément remarquable de l’architecture baroque espagnole, comme on le voit dans le retable de L’Église San Esteban de Salamanque de José Benito Churriguer (1693), qui employait des colonnes hélicoïdales et un usage intensif de l’or dans une surface extrêmement élaborée. Le style résultant, mettant l’accent sur une surface en mouvement, a été appelé « entallador » et a été adopté dans toute L’Espagne et L’Amérique latine.,

contrairement à l’accent architectural sur la splendeur catholique, la peinture Baroque espagnole a souligné les limites et la souffrance de l’existence humaine. Il a été noté pour son accent sur le réalisme basé sur l’observation précise et était moins intéressé par les effets théâtraux qu’un sens convaincant du drame humain. Caravage a été une influence précoce sur des artistes comme Francisco Ribalta et Jusepe Ribera, bien que la plupart des artistes espagnols ont pris le clair-obscur et le ténébrisme comme point de départ et ont évolué leur propre style., Le travail ultérieur de Ribera a mis l’accent sur une couche de tons argentés superposés avec des tons dorés chauds comme on le voit dans son la Sainte Famille avec Sainte Catherine (1648).

Bartolomé Esteban Murillo a développé l’estilo vaporiso, ou style vaporeux, qui utilisait une palette délicate, des contours adoucis et un effet voilant de lumière argentée ou dorée. Ses œuvres étaient à la fois des sujets religieux comme L’Immaculée Conception (1678) et des peintures de genre, où il représentait souvent des gens de la rue, comme dans le jeune mendiant (1645)., Son travail était très populaire, en raison de son élégance et de sa sentimentalité, et il a cofondé l’Académie des Beaux-Arts de Séville en 1660. Après sa mort, Juan de Valdes Leal est devenu le principal peintre de Séville, bien que son travail se soit concentré sur le dramatique comme la fin de la gloire Mondaine (1672), une allégorie de la mort, qui a fait de son travail une sorte de précurseur du romantisme. Francisco de Zurbaran a été surnommé « Le Caravage espagnol » pour ses sujets religieux comme la maison de Nazareth (1630), bien que ses compositions soient plus sévères et restreintes et se concentrent souvent sur une figure ascétique Solitaire.,

Le principal peintre du Baroque espagnol était Diego Velázquez dont le travail comprenait un certain nombre de sujets: œuvres de genre comme Old Woman Frying Eggs (1618); peintures historiques d’événements contemporains comme la reddition de Breda (1634-1634); œuvres religieuses comme Christ crucifié (1632); portraits notés comme Portrait) et Las Meninas (1656); et l’un des rares nus espagnols, la Vénus Rokeby (1644-1648), un sujet qui a été découragé dans l’Espagne catholique., Alors qu’il a commencé par employer le ténébrisme, il a développé sa propre technique magistrale, qui employait une palette de couleurs relativement simple mais mettait l’accent sur les tonalités et les pinceaux variés.

français Baroque et Classicisme français

l’Architecture est l’expression dominante du style Baroque français. Appelé classicisme en France, il a rejeté l’ornement au profit de proportions géométriques et de façades moins élaborées., Alors que Louis XIV a invité Le Bernin en France pour soumettre un dessin pour son château de Versailles en 1661, le roi a plutôt choisi le dessin classique de Louis Le Vau avec Charles Le Brun comme décorateur. En tant que directeur de la tapisserie des Gobelins, Le travail de Le Brun a eu une influence dans toute l’Europe. La Galerie des Glaces (1678-1686) à Versailles comprenait les peintures de Le Brun et devint la norme pour les intérieurs royaux Français. De même, les jardins, disposés en grilles géométriques pour faire écho et souligner l’architecture, étaient un autre élément notable de Versailles.,

Dans la peinture, les artistes français sont aussi déplacés vers un style plus classique, tout en retenue. Claude Lorrain, connu simplement sous le nom de Claude, et Nicolas Poussin, étaient les peintres français les plus importants, bien que tous deux aient travaillé à Rome. Le travail de Claude mettait l’accent sur le paysage et les effets de la lumière, et ses sujets, qu’ils soient religieux ou classiques, étaient simplement l’occasion de l’œuvre, mais pas son objectif., Alors que Poussin commence à peindre dans un style Baroque, vers le milieu de la trentaine, il commence à développer son propre style, car des œuvres comme son paysage avec Orphée et Eurydice (1650-1651) transmettent une rationalité calme qui devient influente dans le développement ultérieur du néoclassicisme.

d’Autres artistes français, notamment Georges de la Tour, a été influencé par le Caravage tenebrism mais il se détourna de l’action dramatique, et les effets., Peignant principalement des sujets religieux, il explore de manière innovante la lumière nocturne, employant des compositions géométriques et des formes simplifiées pour transmettre une spiritualité calme et réfléchie. L’œuvre de La Tour fut influente à son époque, car le roi Louis XIII, Henri II de Lorraine et le Cardinal de Richelieu étaient ses mécènes. Les peintres de Genre comme les frères Le Nain ont également appliqué de manière innovante le style Baroque. Louis, Antoine et Mathieu Le Nain ont collaboré à la plupart de leurs œuvres, et leurs scènes de genre ont souligné le réalisme du travail quotidien, comme on le voit dans leur le forgeron à sa Forge (C., 1639) et le repas des paysans (1642).

russe Baroque

russe Baroque est aussi appelé Pétrinien Baroque, nommé en l’honneur de Pierre le Grand qui a promu le style dans la reconstruction de Saint-Pétersbourg, quand il l’a nommé la nouvelle capitale russe en 1712. Il avait été inspiré par le Baroque français à la suite de sa visite de 1697-1698 à Versailles et aux châteaux de Fontainebleau. Le Palais Menchikov (1711-1727) est devenu un exemple notable du Baroque russe., Des architectes comme Andreas Schluter, Gottfried Schadel et Jean-Baptiste Alexandre Le Blond ont été les principaux architectes du style. Après la mort de Pierre Le Grand, le style a continué mais est devenu plus luxueux et orné comme conçu par le principal architecte, Bartolomeo Rastrelli. Le style était alors appelé Baroque élisabéthain en l’honneur de L’impératrice Elizabeth Petrovona et des exemples célèbres étaient la Cathédrale de Smolny (1748-1764) et le Palais d’hiver (1754-1762).,

peinture Baroque Flamande

La peinture était la composante distinctive du Baroque flamand, et son caractère particulier a pris naissance dans les forces historiques et culturelles. En 1585, les forces catholiques espagnoles ont repris Anvers en Flandre, ou la Belgique actuelle, et la région catholique a été séparée de la République néerlandaise protestante. En conséquence, les artistes flamands ont peint à la fois des sujets religieux de la Contre-Réforme et des paysages, des natures mortes et des œuvres de genre qui puisaient encore dans la tradition Nord-européenne.,

Pierre-Paul Rubens, a dirigé l’élaboration de la peinture Baroque Flamande. Son style Baroque élevé, connu pour sa couleur riche, son exubérance sensuelle et son mouvement ont informé à la fois sa peinture religieuse comme dans descente de croix (1614) et ses sujets non religieux comme le jugement de Paris (1636). Ses nus féminins de femmes mythologiques et bibliques étaient particulièrement réputés et influents, car ils combinaient la sensualité avec une complexité d’allégorie et d’allusion., L’élève le plus connu de Rubens était Anthony van Dyck qui devint célèbre plus tard principalement pour ses portraits, marqués par une élégance courtoise. En 1630, il a été nommé peintre de la Cour de la princesse D’Orange en 1630 et, en raison de liens royaux, est devenu le peintre de la cour anglaise et a été anobli par Charles Ier, Le Roi d’Angleterre, en 1632. Les artistes flamands ont également peint des scènes de genre, et les plus connus étaient Adriaen Brouwer, Jacob Jordaens et David Teniers le jeune.,

L’Âge d’Or hollandais

L’Âge d’Or hollandais était le seul exemple du style Baroque employées dans un Protestant de la région, et, en conséquence, avait une approche très différente à la fois de l’architecture et de la peinture. L’âge d’or néerlandais a commencé vers 1648 avec la fin de la guerre de trente ans, alors que la République néerlandaise, qui avait fait sécession de l’Espagne en 1588, a finalement obtenu son indépendance. Dans les décennies qui ont suivi, la République, alimentée par sa domination du commerce mondial, est devenue une puissance économique avec une classe moyenne montante., L’architecture Baroque néerlandaise s’est principalement inspirée des œuvres de L’architecte vénitien de la Renaissance Andrea Palladio (souvent appelé palladianisme Néerlandais), tout en conservant certains éléments gothiques pour créer un style monumental sobre. La peinture hollandaise a mis l’accent sur les scènes de la vie quotidienne, les sujets profanes et a été le pionnier des développements dans le paysage, la nature morte et la peinture de genre. Les sujets religieux étaient le plus souvent représentés dans la gravure pour illustrer les textes bibliques., Dans le même temps, un certain nombre d’artistes néerlandais de premier plan, dont Rembrandt, Johannes Vermeer et Salomon van Ruysdael, peignent dans le style Baroque, employant le clair-obscur et le ténébrisme. Cela peut être vu dans la montre de nuit de Rembrandt (1642).

développements ultérieurs – après L’art et L’Architecture baroques

la période Baroque a pris fin avec l’émergence du Rococo à Paris vers 1720. Certains chercheurs se réfèrent au Rococo comme « Baroque tardif », mais il a pris un style très léger et divertissant lié à la Vie courtoise., Néanmoins, les artistes baroques ont continué à être influents dans la période Rococo, comme Rubens a influencé Jean-Antoine Watteau, François Boucher, et Jean-Honoré Fragonard.

comme la période Rococo a été suivie par le style néoclassique en cinquante ans, de nombreux artistes baroques sont devenus obscurs et négligés. Rubens et Rembrandt ont été redécouverts dans les années 1800, comme Rubens a influencé les romantiques Théodore Géricault, et Eugène Delacroix, et Rembrandt a influencé les Impressionnistes et les postimpressionnistes. Les peintures de paysages de Claude ont influencé J. M. W., Turner, et Velázquez a été une influence significative sur Édouard Manet, Pablo Picasso, et Francis Bacon.

Caravage, lui aussi, a été redécouvert, mais pas avant le milieu des années 1900, et son travail a par la suite influencé les photographes, les cinéastes et les artistes. Un certain nombre d’architectes contemporains, dont I. M. Pei, Richard Meier et Frank Gehry, témoignent d’un regain d’intérêt pour L’œuvre architecturale du Bernin. Gehry l’a appelé  » l’une de mes plus grandes influences., »De même, les artistes contemporains, dont Jenny Saville, Lisa Yuskavage et John Currin, reflètent l’impact continu des œuvres de Rembrandt et Rubens.