Paul Thomas Anderson personagens são todas danificado de alguma forma — não falho tanto como quebrada e incompleta., Em uma imprevisível filmografia que se estende desde o waining dias de meados dos anos 90 indie boom para a tênue pós-celulóide paisagem da idade moderna — um tiro de dispersão coleção de histórias que saltos entre os últimos 100 anos, como se a sua preso no tempo, resolver em um estranho, e segundo a história do povo da América no século 20 — um fundamental sentido de vício inerente pode ser o mais consistente através de linha., Isso se sente especialmente verdadeiro no rescaldo de “Phantom Thread”, que encontra Anderson abandonando sua cidade natal de Los Angeles para Londres, mas ainda mantendo (ou mesmo dobrando para baixo) sua sincera afeição por pessoas obsessivas com buracos em seus corações.
a sabedoria comum sugere que a carreira de Anderson foi dividida pelo meio, com o “amor embriagado” de 2002 funcionando como uma transição suave dos mosaicos exuberantes que anunciaram o gênio de PTA para os micro-retratos de aço que fizeram bom em seu potencial., E enquanto há uma certa quantidade de verdade nessa visão superficial, a evolução do estilo de Anderson é mais interessante para como ele ilumina as coisas subjacentes que ligam todo o seu corpo de trabalho juntos.
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Com o “Fantasma Thread”, que deverá chegar aos cinemas em Dia de Natal, decidimos classificação de Paul Thomas Anderson filmes do pior para o melhor (essencialmente, apenas atribuindo-lhes diferentes graus de grandeza), com foco em todas as coisas que foram alteradas em seus filmes, e todas as coisas que têm permanecido o mesmo.,
“Hard Eight” aka “Sydney” (1996)
Paul Thomas Anderson tinha apenas 26 anos quando conseguiu conquistar Philip Baker Hall e um orçamento de 3 milhões de dólares para a sua primeira característica, um feito impressionante por qualquer medida. No entanto, à luz do que o autor impertinente continuaria a fazer a seguir, “oito duros” é mais marcante por sua modéstia — por sua falta de ambição — do que qualquer outra coisa. The low-key story of a friendship that forms between a mysterious gambler (Hall) and the penniless burnout (John C. Reilly) he meets at a diner somewhere between L. A., e Las Vegas, a estreia da Associação de pais em auto-segurança parece uma colecção de restos de Sundance tropes a tentar livrar-se de uma camisa de forças. Empoeirado sudoeste, com o entorno, resumo motéis, neo-noir sombreados, Samuel L. Jackson, café e cigarros… se não para os feridos estoicismo do Hall de desempenho e o especialista contribuições do futuro PTA como pilares Robert Elswit e Jon Brion, pode ser tentador para fixo, esta com todos os outros Tarantino riffs que lavado em terra depois de “Pulp Fiction.,”
ainda, tão fácil quanto é perder de vista este filme na vasta sombra do que veio a seguir, “oito duros” rolos com um humanismo suave que lhe dá alguma vida própria. Sydney pode ter segundas intenções em emprestar 50 dólares a um estranho e mostrar-lhe como montar um casino, mas o seu relacionamento mais profundo com o John só enriquece a questão que paira sobre o seu primeiro encontro: quanto é que um amigo realmente vale para si?, Este é um filme pequeno, e um fracturado desajeitado, mas está cheio de atores inescrutavelmente atraentes no seu melhor, seus personagens ajudados por um escritor-diretor que palpavelmente acredita em sua dor.
“Junun” (2015)
Ninguém realmente viu este delicioso curio — Anderson único longa-metragem de documentário — que estreou no Festival de Nova York antes ignorando teatral, executar e indo direto para a internet. Mas “Junun” não é apenas um lado B para os fãs hardcore do diretor., Quando muito, é a coisa mais acessível que ele já fez, um enorme e agradável banger de 54 minutos sobre a alegria relâmpago-em-uma-garrafa de boas pessoas fazendo grande música juntos. An uncharacteristically invisible fly on the wall, Anderson hangs around the dusty environs of India’s Mehrangarh Fort, watching with rapt attention as regular collaborator Jonny Greenwood and Israeli composer Shye Ben Tzur record a group album with the Rajasthan Express.,aparentemente feito por capricho e sem grande agenda, o filme captura uma colisão de talento musical uma vez na vida antes que todos se dispersem aos ventos. Por mais chocante que possa ser ver PTA atirar digital( Os drones exigem), a música é tão cativante e a vibração tão cheia de vida que você logo esquece quem está por trás da câmera. “Junun” pode ser uma nota de rodapé, mas é transportável e completo e difícil de esquecer.,
“vício Inerente” (2014)
Tão densa que foi, provavelmente, destinado a ser o mais apreciadas de Paul Thomas Anderson filmes — há um certo prickliness para Thomas Pynchon do material de origem, como até mesmo o mais casualmente apedrejado de seus romances, é difícil para envolver seus braços ao redor — “inherent Vice” é uma doce e strung out noir odisséia através do nevoeiro do capitalismo tardio., É também um filme onde Jena Malone tem dentes de madeira, Josh Brolin cai uma banana congelada, e a deusa folclórica Joanna Newsom interpreta uma narradora que pode ser um produto da imaginação de Joaquin Phoenix… então não é como se a PTA estivesse a tentar dificultar-nos as coisas.
Shot like a faded postcard and full of fantastic characters, “Inherent Vice” borrows a lot from sun-dappled P. I. yarns like “The Long Goodbye,” but it’s sillier and sadder than Philip Marlowe ever was., Por tradição de gênero, o mistério central é na verdade vários mistérios diferentes todos juntos; boa sorte para desvendar o que o marido desaparecido de um viciado em heroína tem a ver com um promotor imobiliário chamado Mickey Wolfmann e um cartel de drogas que se chama a si mesmo o Golden Fang. Mas enquanto o enredo pode ser difícil de seguir, PTA compensa fazendo as bases emocionais do filme tão claras quanto a visão de Doc Sportello da costa da Califórnia.,
O amor perdido entre Sportello e sua ex (Katherine Waterston) é dolorosamente bem-realizado em apenas poucas cenas, enquanto a generalizada sensação de um país em declínio, está impregnado na atmosfera, como tantos patchouli peida (emprestado um dos melhores insultos de um filme que tem dezenas de sobra). Esqueça ” Boogie Nights “e a ilusão da possibilidade Americana,” vício inerente ” burrows no sentimento de que já o deixamos escapar de nós — que estamos todos lá fora perseguindo nossas próprias caudas. Fica um pouco mais triste sempre que o vês., “Boogie Nights”(1997)
” It’s a real film, Jack.um épico vertiginoso de reinvenção, o segundo filme de Paul Thomas Anderson, sem graça e sensacional, encontrou a direção de 28 anos com a arrogância de um jovem na posse de uma enorme quantidade de talento natural. Mas não é apenas a confiança alucinante por trás da câmera que faz “Boogie Nights” um trabalho incrível, é também a pura generosidade que Anderson mostra para com seus personagens, mesmo os mais patéticos e bonitos entre eles., Veja como a câmera permanece em Jesse St.Vincent (A grande Melora Walters) depois que ela foi encalhada na festa de Ano Novo de 1979, ou como Anderson redime Rollergirl (Heather Graham, em seu melhor papel) com um único empurrão durante os minutos de encerramento. O Anderson adora estas pessoas. Quando Amber Waves, interpretada por Julianne Moore como a MILF original, diz Dirk Diggler (Mark Wahlberg) que ele merece seu novo Corvette de 1978, ela quer dizer do fundo de seu coração.,
Mais do que apenas uma vertiginosa olhar para dentro da indústria pornô, como ele lutou para superar o corcunda de home video, “Boogie Nights” é uma história sobre um mágico vale do desajuste brinquedos — figuras de ação, para ser mais específico. Todos estes esquisitóides foram expulsos das suas famílias, todos eles estão à procura de parentes Substitutos, e todos eles seguiram o Sonho Americano até ao mesmo lugar ridículo., Há algo muito especial no frenesim Altman-esque em que estas almas perdidas se unem por se terem encontrado umas às outras, uma energia inefável que sobrevive à necessidade do jovem Anderson de sublinhar todos os floreios.esta continua a ser uma das coisas mais citáveis e bem-realizadas que o diretor já fez, mesmo que a segunda metade mais escura — na qual PTA faz seus sentimentos muito claros re: o calor do filme contra o arrepio do vídeo — se sente tanto sobreposto quanto subnutrido. Mas quem se importa?, O Burt Reynolds vende todos os filmes, O Wahlberg está a operar para além dos limites do seu talento, e os sucessos continuam a aparecer à medida que as falhas começam a desaparecer. Não vale a pena ficar fora de forma, há sombras na vida, querida!,
“Fantasma Thread” (2017)
no início deste ano, antes de nós tinha visto tanto como uma foto de Paul Thomas Anderson, o filme mais recente, foi amplamente rumores de que o “Fantasma Thread” foi um S&M período pedaço que tinha mais em comum com “Cinquenta Tons de Cinza” que ele não fez o clássico Britânico melodramas que foram feitas em todo o tempo esta história está definido., Alas, o romance perverso que floresce entre uma costureira renomada (Daniel Day-Lewis como Reynolds Woodcock) e uma garçonete de fala suave Alma (Vicki Krieps) é um caso estritamente PG, um muito mais interessado em Adicionar roupas do que tirá-las. Seja como for, OS Elementos de domínio e submissão persistem, e a pontualidade enganosa do filme é precisamente o que permite a Anderson costurar uma peça tão convincente sobre amor e controle, colocando a agulha entre o Haute escapism e algo muito mais perto de casa.,falando após a primeira exibição do filme em Nova York, Anderson disse à multidão que “Phantom Thread” foi inspirado por uma recente gripe. O cineasta estava deitado na cama, sentindo-se como se fosse a morte recriada, quando ele percebeu que sua esposa olhando para ele com um grau de piedade e cuidado que ela normalmente se reserva para seus filhos. Ele adorou. Você não precisa ser um diretor de cinema reverenciado ou um designer de moda tirânico para apreciar que a impotência tem seus próprios prazeres, e que a entrega do controle à pessoa certa pode ser tão gratificante como armazená-lo para si mesmo., Provavelmente não há um casal no mundo que não entenda essa dinâmica ou reconheça a força feia que derivam da fraqueza do parceiro.
“Phantom Thread” pega essa feiura e a transforma em algo bonito, Anderson rifando sobre os gostos de “Rebecca” (com um cheiro de “The War of the Roses” para boa medida) para criar um imaculadamente old-fashioned portrait of obsession., Anderson fez uma série de duetos espirituosos sobre duas pessoas estranhas que precisam uma da outra para o equilíbrio, mas o truque mágico que o desempenho terse de Krieps permite que ele faça aqui — lentamente permitindo Alma ofuscar Reynolds e assumir o Controle Da Roda, ela mesma — é um novo para ele. Bonito e cativante em igual medida, este é o filme mais convidativo que Anderson fez desde “Punch-Drunk Love”, e a melhor prova de que sua colaboração com o compositor Jonny Greenwood pode ser o elemento definidor de seu trabalho recente.,
“Embriagado de Amor” (2002)
Paul Thomas Anderson tem sido conhecido para dizer que cada um de seus filmes é uma reação à última, e o fato de que ele fez o apertado e restrita de “Punch-Drunk Love” na esteira do alastrando “Magnólia” é suficiente para provar que ele não está soprando a fumaça. Este é o trabalho de um artista prodigiosamente dotado que percebeu sua idéia mais ambiciosa quando fez 30 anos e descobriu que ainda tinha espaço para crescer — que seus filmes não poderiam ser maiores, mas poderiam ser mais suffused com sentimento., O que Anderson aprendeu entre ” Boogie Nights “em 1998 e” Punch-Drunk Love ” em 2002 é que o tamanho não é tudo.um frenético quase-musical sobre pessoas violentamente isoladas que aprendem que não têm que se condenar à sua tristeza, a quarta característica de Anderson destila um épico valor de emoção e engarrafa-o em um terno azul barato. Adam Sandler é Revelador como Barry Egan, o comediante de sobrancelhas que reprogramou sua raiva de assinatura em algo novo apenas negando-lhe um lugar para ir., Ele não pode simplesmente ganhar um torneio de golfe e ou retomar o segundo ano; ele tem um negócio para gerir, mil irmãs para cuidar, e um buraco no seu coração do tamanho do Havai. E depois há Lena Leonard (Emily Watson), que olha para Barry e vê uma harmonia, seu desejo desencadeando uma história de amor onde os sentidos se misturam como todo o filme foi tocado pela sinestesia.,
“Punch-Drunk Love” é um filme minúsculo, mas a câmera de Elswit percorre a fábrica de Barry com uma curiosidade maníaca que faz fronteira com Chaplin-esque, resultando no primeiro filme PTA que não parece estar esculpindo uma história tanto quanto construir uma do zero. Esse espírito de criação é infundido nos personagens, que descobrem que a oportunidade abunda neste mundo (tanto em pudim como em pessoas), e que eles têm o poder de entrar em um avião e perseguir o amor para baixo antes que ele Escape. O amor anda por aí, só tens de atender o telefone., Se tiveres sorte, talvez encontres a Lena Leonard no quarto de hotel. E se tiveres mesmo sorte, podes ser remendado para Philip Seymour Hoffman, cuja aparência Celestial galvaniza esta estranha mistura com um monte de salpicos e um arsenal de bombas-F. Se esta não é a melhor cena alguma vez comprometida com celulóide, está muito perto dela.
“O Mestre” (2012)
O mais incompreensível e enigmática de Anderson, de filmes, de “O Mestre” é sempre mesmerizingly fora de alcance, transformando-o para dentro, cada vez que você chegar para encontrá-la. A. O., Scott acertou o prego na cabeça quando ele descreveu como “um filme que desafia a compreensão, mesmo que isso compele reverente, crença atônita.”Mas há respostas aqui, mesmo que Anderson não forneça nenhuma indicação clara do que elas podem ser; qualquer que seja o significado que você consiga tirar dessa história é seu para guardar.
em seu nível mais básico, “O Mestre” é um seguidor de duas mãos sobre um homem e seu cão. Philip Seymour Hoffman é quase insondavelmente brilhante como o Volátil Lancaster Dodd, um pseudo-Profeta da nova era no molde de L., Ron Hubbard (ele não é diferente de um diretor de cinema, o líder de um circo itinerante que tem que levar as pessoas através da força de vontade pura). Joaquin Phoenix é sempre igual ao alcoólico Freddie Quell, um homem cujo rosto é torcido para um sorriso perpétuo mesmo antes de ser colocado à deriva na sequência da Segunda Guerra Mundial. um ladra comanda e o outro vira-se, mas nenhum deles pode jogar fetch sozinho. Como diz Dodd, sem pouca maldade: “se você encontrar uma maneira de viver sem servir um mestre, qualquer mestre, então deixe o resto de nós saber, você vai?, Porque serias a primeira pessoa na história do mundo.”
Dodd e Quell realmente não são tão diferentes, e narração de histórias como o sonho de Anderson ajuda a rodeá-los juntos até que seja difícil dizer onde um termina e o outro começa (a pontuação seasick de Jonny Greenwood raízes que a confusão no poço do seu estômago). Estes são dois homens que são assombrados por traumas passados e aconteceram em maneiras opostas de tentar fugir dele; dois homens que estão usando uns aos outros como faróis para navegar as águas turbulentas entre a memória e a imaginação; dois homens que “não podem tirar esta vida reta.,”Mas quem pode? Olha nos olhos de alguém, não pestanejes, e repete o teu nome até começares a acreditar que isso te diz alguma coisa.
“Magnolia” (1999)
“i’ll tell you the greatest regret of my life: I let my love go.”Magnolia” é muitas, muitas (muitas) coisas, mas em primeiro lugar é um filme sobre pessoas que estão lutando para viver acima de sua dor — um tema que não só atravessa todas as nove partes desta história, mas também sangra através de ambas as fases da carreira de Paul Thomas Anderson. Ali está o John C., Reilly como o oficial Jim Kurring, que efetivamente se lançou como o herói e narrador de um programa policial inexistente, a fim de dar voz às coisas que ele não pode admitir. Ali está Jimmy Gator, o apresentador do último game show que está assombrado por todas as maneiras que ele falhou com sua filha (ele é jogado por Philip Baker Hall em uma das performances mais afetuosamente humanas que você vai ver). Há o orador motivacional Frank T. J., Mackey, que tem tudo sob controle até alguém mencionar seu pai, e esposa troféu Linda Partridge, que emerge de uma névoa de medicamentos prescritos apenas um pouco tarde demais para dizer ao seu marido terminal como ela realmente se sente. E sobre e sobre, o pequeno exército de personagens de Anderson se agrupando em uma ópera moderna delirante sobre ferir pessoas até que o tempo mude e todos percebam que isso não vai parar até que elas percebam.já reparaste que a associação de pais é muito boa com actores?, Para um tipo que é quase imperceptível com uma câmara, é sempre uma surpresa ver um dos seus filmes e lembrar-se do quanto ele desafia o seu elenco e as suas caras. “Magnolia” pode ser o exemplo mais impressionante de todos, não só por causa de seu Melodrama cru, mas também porque todos aqui é tão agressivamente jogando contra o tipo que você pode senti-los tentando fugir de alguma coisa.,
Uma 188 minutos de filme, sem um segundo fora do lugar, “Magnólia” é o subproduto de vermelhos egomania, o filme infundido com um selvagem arrogância que começa a partir de suas raízes e cresce como um tumor, até que Deus se mostra e parece que ele é só mais um membro do elenco. E graças a Deus que alguém tinha a confiança ou a cocaína ou o que fosse preciso para tentar algo assim, porque quanto maior o filme fica, mais parece que não podia ser menor., Como Anderson diz no final do (incrível) Making-of documentário no DVD, “it’s too fucking too”, e é, mas também é apenas o suficiente para mostrar como a ficção pode às vezes refletir a estranheza da vida real. “Magnolia” é um filme que te faz passar por um mau bocado, e que te pode tirar de quase tudo.
“There Will Be Blood” (2007)
“There Will Be Blood” é o grande filme americano do século XXI, que é menos um elogio do que uma classificação taxonómica., É um gênero em si mesmo, um outdated forjado por filmes anteriores como” Citizen Kane “e” The Godfather ” e definido por histórias de sociopatas auto-feitos — sempre homens — que constroem impérios sobre os corpos de seus inimigos e se apegam ao Sonho Americano até que seja a única coisa que lhes resta. São imagens elementares cheias de pessoas que vêem o capitalismo como um desporto sangrento, fazendo dinheiro com fervor que expõe a violência fundamental do mercado aberto.,como é apropriado, então, que riquezas e morte estão tão inextricavelmente ligadas em “There Will Be Blood”, um filme que usa sua “grandeza” intrínseca como um gênero de que se cansa à medida que avança, eventualmente virando-se contra ele e batendo-o até a morte com um pino de bowling. Não há nada que adoremos ver mais do que uma saga de Ascensão e queda sobre alguém arruinado pela mesma ambição voraz que nos falta em nós mesmos, e as audiências aprenderam que histórias como esta raramente têm finais felizes (estas narrativas nos ensinam a não querer muito). Mas” haverá sangue ” resolve-se na vitória, não na derrota., Não há “Rosebud” para Daniel Plainview, apenas um abismo sem fundo.
Daniel Day-Lewis habita Plainview como a estrela involuntária de um filme de monstros, um predador ápice que caminha com o palpite gangly de um vilão Scooby-Doo e engana sua cabeça de modo que ele só pode ver o pior nas pessoas. Graças às composições de cordas do Toru Takemitsu de Jonny Greenwood, Plainview entra em todas as cenas como o tubarão a circundar a sua próxima vítima., Entre o pregador oportunista de Paul Dano e as plumas de petróleo e fogo que saem da Terra que Plainview afirma para si mesmo, todo o filme começa a assumir um fervor bíblico, a gravitas natural do drama se transformando em algo vagamente apocalíptico. “There Will Be Blood” é uma tempestade perfeita de talento no topo de seu jogo, um filme que perfura o passado da América, a fim de bater na podridão que estamos sofrendo em seu presente. Não só é o grande filme americano do século 21, como merece ser.,fiquem a par das últimas notícias de última hora! Inscreva-se nos nossos boletins de E-mail aqui.