di Paul Thomas Anderson personaggi sono tutti difettosi in qualche modo — non viziata, tanto rotto e incompleta., In un imprevedibile filmografia che va dalla precaria giorni di metà anni’90, indie boom del tenue post-celluloide paesaggio dell’età moderna — un scattershot raccolta di racconti, luppolo negli ultimi 100 anni è come se il suo insuccesso nel tempo, la risoluzione in uno strano e selvaggio della storia dell’America nel 20 ° secolo — un fondamentale senso di vizio potrebbe essere il più coerente-line., Ciò è particolarmente vero all’indomani di” Phantom Thread”, che trova Anderson che abbandona la sua città natale di Los Angeles per Londra, ma conserva ancora (o addirittura raddoppia) il suo sincero affetto per le persone ossessive con buchi nei loro cuori.

Common wisdom suggerisce che la carriera di Anderson è stata divisa a metà, con “Punch-Drunk Love” del 2002 che funziona come una delicata transizione dagli esuberanti mosaici che annunciavano il genio di PTA ai micro-ritratti d’acciaio che hanno reso buono il suo potenziale., E mentre c’è una certa quantità di verità in quella panoramica superficiale, l’evoluzione dello stile di Anderson è per lo più interessante per come illumina le cose sottostanti che legano il suo intero corpo di lavoro insieme.

Con “Phantom Thread” impostato per arrivare nei cinema il giorno di Natale, abbiamo deciso di classificare i film di Paul Thomas Anderson dal peggiore al migliore (essenzialmente assegnando loro vari gradi di grandezza), concentrandosi su tutte le cose che sono cambiate nei suoi film e tutte le cose che sono rimaste le stesse.,

“Hard Eight” aka “Sydney” (1996)

Paul Thomas Anderson aveva solo 26 anni quando riuscì a disputare Philip Baker Hall e un budget di $3 milioni per il suo primo lungometraggio, un’impresa impressionante da qualsiasi misura. Tuttavia, alla luce di ciò che l’autore upstart avrebbe fatto in seguito, “Hard Eight” colpisce più per la sua modestia — per la sua mancanza di ambizione — che per qualsiasi altra cosa. La storia low-key di un’amicizia che si forma tra un misterioso giocatore d’azzardo (Hall) e il burnout senza un soldo (John C. Reilly) che incontra in una tavola calda da qualche parte tra Los Angeles., e Las Vegas, il debutto preternaturalmente sicuro di sé di PTA sembra una collezione di tropi del Sundance rimasti che cercano di lottare senza una camicia di forza. Dusty southwest environs, motel fatiscenti, sfumature neo-noir, Samuel L. Jackson, caffè e sigarette if se non fosse per lo stoicismo ferito della performance di Hall e i contributi esperti dei futuri pilastri della PTA come Robert Elswit e Jon Brion, potrebbe essere tentato di aggregare questo con tutti gli altri riff di Tarantino che hanno lavato a terra dopo “Pulp Fiction.,”

Tuttavia, per quanto sia facile perdere di vista questo film nella vasta ombra di ciò che è venuto dopo,” Hard Eight ” rotola con un umanesimo gentile che gli dà una vita propria. Sydney potrebbe avere secondi fini nel prestare uno sconosciuto 5 50 e mostrandogli le corde per come rig un casinò, ma il suo rapporto approfondimento con John arricchisce solo la domanda che pende sopra il loro primo incontro: Quanto è un amico vale davvero la pena per voi?, Questo è un piccolo film, e uno goffamente fratturato, ma è pieno di attori imperscrutabilmente avvincenti al loro meglio, i loro personaggi aiutati da uno scrittore-regista che crede palpabilmente nel loro dolore.

“Junun” (2015)

Nessuno ha visto davvero questa deliziosa curiosità — l’unico documentario di Anderson-che è stato presentato in anteprima al New York Film Festival prima di bypassare una corsa teatrale e dirigersi direttamente verso Internet. Ma “Junun” non è solo un lato B per i fan più accaniti del regista., Se non altro, è la cosa più accessibile che abbia mai fatto, un banger di 54 minuti estremamente piacevole sulla gioia fulminea di brave persone che fanno grande musica insieme. Una mosca insolitamente invisibile sul muro, Anderson si aggira per i polverosi dintorni del forte indiano di Mehrangarh, osservando con attenzione rapita mentre il collaboratore abituale Jonny Greenwood e il compositore israeliano Shye Ben Tzur registrano un album di gruppo con i Rajasthan Express.,

Apparentemente fatto per un capriccio e senza molto di un ordine del giorno, il film cattura una volta-in-a-vita collisione di talento musicale prima che tutti disperde al vento. Per quanto possa essere stridente vedere PTA sparare digitale (i droni lo richiedono), la musica è così orecchiabile e l’atmosfera così piena di vita che presto dimentichi chi c’è dietro la macchina da presa. “Junun” potrebbe essere una nota a piè di pagina, ma è trasportante e intero e difficile da dimenticare.,

“Vizio” (2014)

Così dense che probabilmente era destinata ad essere la più sottovalutati di Paul Thomas Anderson, film — c’è una certa prickliness di Thomas Pynchon del materiale di origine, come anche il più casualmente lapidato dei suoi romanzi è difficile per avvolgere le braccia intorno — “Vizio” è una dolce e strung-out noir odissea attraverso la nebbia del tardo capitalismo., È anche un film in cui Jena Malone ha i denti di legno, Josh Brolin fa cadere una banana congelata e la dea popolare pixie Joanna Newsom interpreta un narratore che potrebbe essere un frutto dell’immaginazione di Joaquin Phoenix so quindi non è come PTA sta cercando di rendere le cose difficili per noi.

Girato come una cartolina sbiadita e pieno di personaggi fantastici, “Inherent Vice” prende in prestito molto dai filati P. I. screziati dal sole come “The Long Goodbye”, ma è più sciocco e più triste di Philip Marlowe., Per tradizione di genere, il mistero centrale è in realtà diversi misteri tutti annodati insieme; buona fortuna districare ciò che il marito scomparso di un eroinomane ha a che fare con uno sviluppatore immobiliare di nome Mickey Wolfmann e un cartello della droga che si fa chiamare la Zanna d’oro. Ma mentre la trama può essere difficile da seguire, PTA compensa rendendo le basi emotive del film chiare come la visione di Doc Sportello della costa californiana.,

L’amore perduto tra Sportello e la sua ex (Katherine Waterston) è dolorosamente ben realizzato in poche brevi scene, mentre il senso pervasivo di un paese in declino è soffuso nell’atmosfera come tante scoregge di patchouli (per prendere in prestito uno dei migliori insulti da un film che ha decine di pezzi da risparmiare). Dimentica ” Boogie Nights “e l’illusione della possibilità americana,” Inherent Vice” si insinua nella sensazione di averlo già lasciato scappare da noi — che siamo tutti là fuori a inseguire le nostre code. Diventa un po ‘ più triste ogni volta che lo guardi.,

“Boogie Nights” (1997)

“È un vero film, Jack.”

Un’epopea vertiginosa di reinvenzione, il secondo film squallido e sensazionale di Paul Thomas Anderson ha trovato la regia di 28 anni con la spavalderia di un giovane in possesso di un’enorme quantità di talento naturale. Ma non è solo la confidenza da capogiro dietro la macchina da presa che rende “Boogie Nights” un lavoro così incredibile, è anche la pura generosità che Anderson mostra nei confronti dei suoi personaggi, anche i più patetici e belli tra loro., Guarda come la telecamera indugia su Jesse St. Vincent (la grande Melora Walters) dopo che è stata bloccata alla festa di Capodanno del 1979, o come Anderson riscatta Rollergirl (Heather Graham, nel suo miglior ruolo) con un singolo push-in durante i minuti di chiusura. Anderson adora queste persone. Quando Amber Waves, interpretata da un picco Julianne Moore come la MILF originale, dice a Dirk Diggler (Mark Wahlberg) che merita la sua nuova Corvette del 1978, lo intende dal profondo del suo cuore.,

Più di un semplice sguardo a rotta di collo all’interno dell’industria del porno mentre faticava a superare la gobba dell’home video, “Boogie Nights” è una storia su una magica valle di giocattoli disadattati — action figure, per essere precisi. Tutti questi strambi arrapati sono stati cacciati dalle loro famiglie, tutti sono alla ricerca di parenti surrogati, e tutti loro hanno seguito il sogno americano nello stesso posto ridicolo., C’è qualcosa di molto speciale nella frenesia altman-esque in cui queste anime perdute si uniscono per essersi trovate, un’energia ineffabile che sopravvive al bisogno del giovane Anderson di triplicare ogni fioritura.

Questa rimane una delle cose più quotabili e ben realizzate che il regista abbia mai fatto, anche se la seconda metà più oscura-in cui PTA rende i suoi sentimenti molto chiari: il calore del film contro la creepiness del video — si sente sia troppo lunga che denutrita. Ma chi se ne frega?, Burt Reynolds vendere l’inferno fuori di ogni film, Wahlberg sta operando ben oltre i limiti del suo talento, e le hit solo continuare a venire come i difetti iniziano a svanire. Non c’è bisogno di essere piegato fuori forma su di esso; ci sono ombre nella vita, baby!,

“Phantom Thread” (2017)

all’inizio di quest’anno, prima avevamo visto tanto di foto ancora da Paul Thomas Anderson ultimo film, e ‘ stato ampiamente dice che “Phantom Thread” era un S&M periodo pezzo che ha più in comune con “Cinquanta Sfumature di Grigio” che ha fatto i classici Inglesi melodrammi che sono state fatte in tutto il tempo di questa storia è ambientata., Ahimè, la storia d’amore perversa che sboccia tra un famoso sarto (Daniel Day-Lewis come Reynolds Woodcock) e una cameriera pacata Alma (Vicki Krieps) è un affare strettamente PG, molto più interessato ad aggiungere vestiti che a toglierli. Comunque sia, persistono elementi di dominanza e sottomissione, e la castità ingannevole del film è proprio ciò che permette ad Anderson di cucire un pezzo così avvincente sull’amore e il controllo, infilando l’ago tra l’alta evasione e qualcosa di molto più vicino a casa.,

Parlando dopo la prima proiezione del film a New York, Anderson ha detto alla folla che “Phantom Thread” è stato ispirato da un recente attacco di influenza. Il regista è stato messo a letto, sentendosi come la morte refried, quando ha notato che la moglie lo guardava con un certo grado di pietà e la cura che lei in genere riserva per i loro figli piccoli. Gli piaceva. Non è necessario essere un regista venerato o uno stilista tirannico per apprezzare che l’impotenza ha i suoi piaceri e che cedere il controllo alla persona giusta può essere soddisfacente quanto accumularlo per te stesso., Probabilmente non c’è una coppia sposata al mondo che non capisca quella dinamica o riconosca la brutta forza che derivano dalla debolezza del loro partner.

“Phantom Thread” prende quella bruttezza e la trasforma in qualcosa di bello, Anderson riffing su artisti del calibro di “Rebecca” (con un soffio di “The War of the Roses” per buona misura) per creare un ritratto immacolato di ossessione., Anderson ha fatto una serie di duetti spiritati su due strane persone che hanno bisogno l’una dell’altra per l’equilibrio, ma il trucco magico che la concisa performance di Krieps gli permette di fare qui — permettendo lentamente ad Alma di oscurare Reynolds e prendere il controllo della ruota, se stessa — è una novità per lui. Bello e seducente in egual misura, questo è il film più invitante che Anderson abbia realizzato da “Punch-Drunk Love”, e la migliore prova che la sua collaborazione con il compositore Jonny Greenwood potrebbe essere l’elemento determinante del suo recente lavoro.,

“Ubriaco d’Amore” (2002)

Paul Thomas Anderson è stato conosciuto per dire che ogni suo film è una reazione all’ultimo, e il fatto che ha fatto stretto e limitato “Punch-Drunk Love” sulla scia del tentacolare “Magnolia” è sufficiente a dimostrare che non soffia il fumo. Questo è il lavoro di un artista prodigiosamente dotato che ha realizzato la sua idea più ambiziosa quando ha compiuto 30 anni e ha scoperto che aveva ancora spazio per crescere — che i suoi film non potevano essere più grandi, ma potevano essere più soffusi di sentimento., Ciò che Anderson ha imparato tra” Boogie Nights “nel 1998 e” Punch-Drunk Love” nel 2002 è che le dimensioni non sono tutto.

Un frenetico quasi-musical su persone violentemente isolate che imparano che non devono condannarsi alla loro tristezza, il quarto lungometraggio di Anderson distilla un’emozione epica e la imbottiglia in un abito blu a buon mercato. Adam Sandler è rivelatore come Barry Egan, il comico low-brow riproponendo la sua rabbia firma in qualcosa di nuovo solo negando un posto dove andare., Non può solo vincere un torneo di golf e o riprendere la seconda elementare; ha un business da gestire, mille sorelle da gestire e un buco nel suo cuore delle dimensioni delle Hawaii. E poi c’è Lena Leonard (Emily Watson), che guarda Barry e vede un’armonia, il suo desiderio che scatena una storia d’amore dove i sensi si confondono insieme come tutto il film è stato toccato dalla sinestesia.,

“Punch-Drunk Love” è un piccolo film, ma la macchina fotografica di Elswit gira intorno alla fabbrica di Barry con una curiosità maniacale che rasenta Chaplin-esque, risultando nel primo film PTA che non sembra che stia ritagliando una storia tanto quanto costruirne una da zero. Questo spirito di creazione è infuso nei personaggi, che scoprono che l’opportunità abbonda in questo mondo (in pudding e persone simili), e che hanno il potere di salire su un aereo e inseguire l’amore prima che scappi. L’amore è là fuori, devi solo prendere il telefono., Se sei fortunato, potresti trovare Lena Leonard nella sua stanza d’albergo. E se sei davvero fortunato, potresti essere rattoppato a Philip Seymour Hoffman, il cui aspetto celeste galvanizza questo strano intruglio con un mucchio di sputo e un arsenale di bombe F. Se questa non è la più grande scena mai impegnata nella celluloide, è dannatamente vicina ad essa.

“The Master” (2012)

Il più imperscrutabile ed enigmatico dei film di Anderson, “The Master” è sempre incredibilmente fuori portata, trasformandoti verso l’interno ogni volta che raggiungi per incontrarlo. A. O., Scott ha colpito il chiodo sulla testa quando ha descritto come “un film che sfida la comprensione anche se costringe riverente, credenza stupito.”Ma ci sono risposte qui, anche se Anderson non fornisce alcuna chiara indicazione di cosa potrebbero essere; qualunque sia il significato che riesci a prendere in giro da questa storia è tuo da mantenere.

Al suo livello più elementare, “The Master” è una presa a due mani su un uomo e il suo cane. Philip Seymour Hoffman è quasi insondabilmente brillante come il volatile Lancaster Dodd, uno pseudo-profeta new age nello stampo di L., Ron Hubbard (non è diverso da un regista, il capobanda di un circo itinerante che deve legare le persone attraverso la pura forza di volontà). Joaquin Phoenix è il suo pari come l’alcolizzato Freddie Quell, un uomo il cui volto è contorto in un ghigno perpetuo anche prima di essere messo alla deriva sulla scia della seconda guerra mondiale. Uno abbaia comandi e l’altro si ribalta, ma nessuno di loro può giocare a prendere da solo. Come dice Dodd, con non poca cattiveria: “Se trovi un modo per vivere senza servire un maestro, un maestro qualsiasi, allora fai sapere al resto di noi, vero?, Perché saresti la prima persona nella storia del mondo.”

Dodd e Quell non sono davvero così diversi, e la narrazione onirica di Anderson li aiuta a turbinarli insieme finché non è difficile dire dove finisce uno e inizia l’altro (il punteggio di seasick di Jonny Greenwood radica quella confusione nella fossa del tuo stomaco). Si tratta di due uomini che sono perseguitati da traumi passati e sono accaduti su modi opposti di cercare di correre più veloce; due uomini che si stanno usando come fari per navigare le acque agitate tra memoria e immaginazione; due uomini che “non può prendere questa vita dritto.,” Ma poi di nuovo, chi può? Basta guardare negli occhi di qualcuno, non battere le palpebre, e ripetere il tuo nome fino a quando si inizia a credere che ti dice qualcosa.

“Magnolia” (1999)

“Ti dirò il più grande rimpianto della mia vita: ho lasciato andare il mio amore.”

” Magnolia ” è molte, molte (molte) cose, ma prima di tutto è un film su persone che stanno combattendo per vivere al di sopra del loro dolore — un tema che non solo attraversa tutte e nove le parti di questa storia, ma sanguina anche attraverso entrambe le fasi della carriera di Paul Thomas Anderson. C’e ‘ John C., Reilly è l’ufficiale Jim Kurring, che si è effettivamente lanciato come l’eroe e il narratore di uno spettacolo di poliziotti inesistente per dare voce alle cose che non può ammettere. C’è Jimmy Gator, il morente conduttore di game show che è ossessionato da tutti i modi in cui ha fallito sua figlia (è interpretato da Philip Baker Hall in una delle esibizioni più affettuose che tu abbia mai visto). C’e ‘ l’oratore motivazionale Frank T. J., Mackey, che ha tutto sotto controllo fino a quando qualcuno menziona suo padre, e la moglie trofeo Linda Partridge, che emerge da una nebbia di farmaci da prescrizione solo un po ‘ troppo tardi per dire al marito terminale come si sente veramente. E ancora e ancora, il piccolo esercito di personaggi di Anderson che si unisce in un’opera moderna delirante su persone ferite che feriscono le persone fino a quando il tempo cambia e tutti si rendono conto che non si fermerà fino a quando non si sveglieranno.

Hai mai notato che PTA è abbastanza buono con gli attori?, Per un ragazzo che è quasi peerlessly espressivo con una macchina fotografica, è sempre una sorpresa per guardare uno dei suoi film ed essere ricordato di quanto egli rinvia al suo cast e le loro facce. “Magnolia” potrebbe essere l’esempio più eclatante di tutti, non solo per il suo melodramma crudo, ma anche perché tutti qui stanno giocando in modo così aggressivo contro il tipo che puoi sentirli mentre cercano di scappare da qualcosa.,

Un film di 188 minuti senza un secondo fuori luogo, “Magnolia” è il sottoprodotto di bloodshot egomania, il film infuso con un’arroganza selvaggia che parte dalle sue radici e cresce come un tumore fino a quando Dio non si presenta e sembra solo un altro membro del cast. E grazie al cielo che qualcuno ha avuto la fiducia o la cocaina o qualsiasi altra cosa ci sia voluta per tentare qualcosa di simile, perché più grande è il film, più sembra che non possa permettersi di essere più piccolo., Come dice Anderson verso la fine del (incredibile) making-of documentario sul DVD, “it’s too fucking too”, e lo è, ma è anche abbastanza per mostrare come la finzione possa a volte riflettere la stranezza della vita reale. “Magnolia” è un film che ti mette attraverso lo strizzatore e può tirarti fuori da quasi tutto.

“There Will Be Blood” (2007)

“There Will Be Blood” è il grande film americano del 21 ° secolo, che è meno di un complimento di quanto non sia una classificazione tassonomica., È un genere a sé stante, obsoleto forgiato da film precedenti come” Citizen Kane “e” The Godfather” e definito da storie di sociopatici autoprodotti-sempre uomini — che costruiscono imperi in cima ai corpi dei loro nemici e si aggrappano al sogno americano fino a quando non è l’unica cosa che gli è rimasta. Queste sono immagini elementari piene di persone che vedono il capitalismo come uno sport di sangue, facendo soldi con un fervore che espone la violenza fondamentale del mercato aperto.,

Com’è appropriato, quindi, che la ricchezza e la morte siano così inestricabilmente legate in “There Will Be Blood”, un film che indossa la sua intrinseca “grandezza” come un genere di cui si stanca man mano che va avanti, alla fine si volta contro di esso e lo batte a morte con un bowling pin. Non c’è niente che amiamo vedere più di una saga di ascesa e caduta su qualcuno rovinato dalla stessa vorace ambizione che ci manca in noi stessi, e il pubblico ha imparato che storie come questa raramente hanno un lieto fine (queste narrazioni ci insegnano a non volere troppo). Ma “Ci sarà sangue” si risolve nella vittoria, non nella sconfitta., Non c’è “Rosebud” per Daniel Plainview, solo un abisso senza fondo.

Daniel Day-Lewis abita Plainview come la star inconsapevole di un film di mostri, un predatore all’apice che cammina con l’impressione gangly di un cattivo Scooby-Doo e imbroglia la testa in modo che possa vedere solo il peggio nelle persone. Grazie alle composizioni per archi simili a Toru Takemitsu di Jonny Greenwood, Plainview entra in ogni scena come Jaws che circonda la sua prossima vittima., Tra il predicatore opportunista di Paul Dano e i pennacchi di olio e fuoco che sparano dalla Terra che Plainview rivendica per se stesso, l’intero film inizia ad assumere un fervore biblico, la gravitas naturale del dramma che si attorciglia in qualcosa di vagamente apocalittico. “There Will Be Blood” è una tempesta perfetta di talenti in cima al loro gioco, un film che scava nel passato dell’America per attingere al marciume che stiamo soffrendo nel suo presente. Non solo è il grande film americano del 21 ° secolo, in realtà merita di essere.,

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